La iluminación

La luz es uno de los elementos más importantes de la vida puesto que sin ella no existirían las imágenes. La luz, junto a su sombra, son también de los elementos más importantes en el arte, siempre ha tenido una relación con lo sagrado.
Esta resalta las formas y crea texturas y volúmenes, potencia el color e incluso crea atmósferas.

La luz ha sido desde el descubrimiento del fuego, uno de los elementos más importantes de la humanidad debido a que su dominio es una forma de vencer la oscuridad.

La iluminación puede ser:
- Natural: la del sol, una vela...
- Artificial: la de las lámparas. Esta a su vez se divide en:

  - Continua: linternas, focos...                                                   

- Discontinua: flashes.                                                            

Los factores que definen la luz son su dirección, color, intensidad y calidad.

- Su dirección puede ser frontal, trasera, lateral, cenital o nadir.

- El color viene determinado por la longitud de la onda de luz y el color del objeto.

- La intensidad es la cantidad de luz de la obra.

- La calidad puede ser dura la cual resalta las texturas o difusa, que minimiza el detalle.

Datos obvios a tener en cuenta:

• La sombra es la ausencia de luz.
• La luz nos da información sobre el volumen y la forma.
• La proyección de la sombra informa la hora, la estación, etc.
• Los artistas occidentales usamos las sombras significativamente.

ARTISTAS DEL DÍA

Eugenio Recuenco

Francis Bacon

Trabajaba solo de noche y con luz artificial.

Rafael Lozano-Hemmer

Algunas de sus obras solo se aprecian mediante el uso de la sombra.

Frabrizio Corneli

Dan Flavin

Román Vitali

Makoto Tojiki

La luz en la fotografía

El objetivo de esta clase era demostrar cómo se pueden conseguir fotografías especiales en las que la protagonista es la luz.

Para que estas fotografías sean posibles, la cámara debe estar configurada de la siguiente manera:

-ISO: Determina la sensibilidad del sensor de la cámara de manera que a mayor número de ISO, el sensor capta más luz, pero al mismo tiempo genera más ruido. El ISO se aumentará o reducirá dependiendo de cómo de abierto esté el diafragma y de la velocidad del obturador. En este caso, no fue necesario usar un gran ISO, algunas fotografías se tomaron como mucho a 400 y según se reducía la velocidad del obturador, disminuíamos la sensibilidad dejándola al final en 100.

- Diafragma: Equivale al iris del ojos, regula la cantidad de luz que entra al sensor, así, cuanto mayor sea el número f, más cerrado estará este y menos luz entrará y cuanto menor sea f, mayor será la apertura y más luz entrará. Para tomar fotografías en zonas con poca iluminación como las siguientes, conviene usar un f/5,6 o menor si el objetivo lo permite.

- Obturador: El obturador determina la velocidad con la que se captura la imagen. A mayor velocidad, se obtienen capturas congeladas pero esto se debe hacer en zonas bien iluminadas y usando incluso a veces el flash. Para conseguir el "movimiento", se debe usar una velocidad lenta. En este ejercicio, para capturar el movimiento de la luz, se usó al principio una velocidad de 15" y en las últimas fotografías se configuró en el modo "BULB" el cual te permite aguantar tanto tiempo como mantengas pulsado el botón. Con este último modo se encargó Alejandra de tomar las fotografías.

Para hacer este ejercicio, se sitúo a Eva sobre un fondo negro y se la iluminó de diferentes maneras. Se la alumbró directamente la cara con filtros de diferentes colores y se dibujó sobre ella usando una linterna de luz puntual. De esta forma, se obtuvieron resultados como los siguientes:

Repetimos esto mismo con Chavi y su monopatín, con María y con un objeto, los resultados fueron diferentes especialmente en el caso de Chavi:

Finalmente, quiero añadir una fotografía que realicé hace apenas un año en el mismo Aranjuez, donde se percibe ese movimiento de los coches:

El color

Si se tuviese que definir qué es el color, ¿cómo se definiría? No hay una definición clara para ello, pero se podría dejar en que es aquello que percibimos por el sentido de la vista cuya cualidad varía según su longitud de onda.

Uno de sus fenómenos es que pueden variar según el color que tenga al lado. Así un mismo color, puede parecer diferente según el color del fondo:

Los colores se pueden clasificar de diferentes maneras:

• Colores luz (síntesis aditiva): Son los colores RGB que corresponden a los tres colores a los que son sensibles los conos de los ojos. La suma de estos colores, rojo, verde y azul, dan lugar al blanco.

• Colores pigmentos (mezcla sustractiva): Son los colores CMYK (cian, magenta y amarillo) los cuales tienden a apagarse en su mezcla alcanzando incluso el negro.

Visto esto, ¿cuáles son los colores los cuales debemos considerar primarios?

Pues ni los del modelo RGB, ni los del CMYK, en Bellas Artes se usa el modelo RYB en el cual los colores primarios son el rojo, el azul y el amarillo.

Y si esos colores son los primarios, los secundarios son aquellos que se obtienen de la mezcla de dos primarios: verde, naranja y violeta.

Partiendo de esto, el complementario de un  determinado color es entonces, aquel color que no participa en su mezcla. Así el complementario del naranja es el azul puesto que:

Amarillo + rojo  = naranja   =>  el azul es el único color que no participa, por lo que es su complementario.

Rojo + azul = violeta   =>  su complementario es el amarillo.

Azul + amarillo = verde   =>   el complementario es el rojo.

*El color que sí participa en la mezcla se le conoce como adyacente.

Post-imagen negativa: es el fenómeno por el cual, al observar una imagen de un color determinado durante un tiempo, y seguidamente se observa una imagen blanca, se verá su color complementario. Así por ejemplo, si observas una imagen roja, al desviar la mirada al fondo blanco, se verá verde.

Esto se debe a que el ojo cuando usa los receptores de un color, busca el equilibrio perdido mediante el uso del complementario o negativo.

Las armonías de complementarios producen fuertes contrastes, mientras que las armonías entre colores adyacentes son más elegantes.

ARTISTAS DEL DÍA
Algunos artistas que juegan con las armonías cromáticas son:

Javier Banegas

http://javierbanegas.jimdo.com/

Carmen Calvo

http://www.carmencalvo.es/

Ouka Leele

http://www.oukaleele.com/

Paloma Navares

http://palomanavares.com/

Fuentes:

http://www.pinturayartistas.com/la-interaccion-entre-colores/

http://www.arts4x.com/spa/d/post-imagen/post-imagen.htm

Visita a la exposición

Y sí, fui a visitar esa exposición de la que tanto se habló porque era obligatoria. Y la sorpresa me la llevé... (o mejor dicho, nos la llevamos, puesto que iba con Alejandra) justo cuando, después de estar alrededor de media hora yendo calle para arriba, calle para abajo buscando la dichosa entrada, nos dimos cuenta, a parte de que la teníamos en las narices, de que estaba cerrada. Así que desesperadamente le tuvimos que pedir auxilio a María Jesús. Ella nos comentó que podíamos ir a otra exposición "cercana" a la que tenías que pagar 5€. Y así fue, ya que estábamos en Madrid, aprovechamos la ocasión para asistir a la exposición ROOM ART FAIR, en el hotel Mayerling donde te "invitaban" a una copa si soltabas los 5 pavos.
Después de atravesar sospechosas calles, las cuales daban la sensación de que en el momento que mirase atrás para ver si me seguía Alejandra, no estaría, llegamos al hotel donde estaba la exposición.
La exposición consistía en que en cada habitación del hotel, había obras o instalaciones de artistas diferentes.

De todo lo visto, las partes que me gustaría comentar son las siguientes:

La habitación de la artista Agnes Daroca y sus peces corvados.

Según comentó, estos peces guardan un significado, son peces que cuidan de ti y están ahí cuando lo necesita. 

En su web se pueden ver estas ilustraciones entre otras: http://agnesdaroca.com/

Interesante para mí comentar el siguiente cuadro, una imagen con colores neones que para transmitir todo su atractivo necesita la "luz y oscuridad". En este caso se necesita una luz azul para así poder hacer brillar sus colores:

Aunque la verdad es que en este ejemplo no llegaba a ser muy imprescindible la oscuridad.

Finalmente, los dibujos de los que por último me gustaría hablar son unos realizados a acuarelas sobre toros de los que lamentablemente no tengo fotografías. Lo que más me llamó la atención de estos, es que tenían un toque de purpurina que los daba un resultado diferente y muy especial.

Conferencia de Laura Torrado

Este día fue un día bastante diferente porque asistimos a una conferencia de la artista Laura Torrado, quien nos explicó resumidamente su trayectoria artística.

Laura Torrado se presentó y nos empezó a hablar de los comienzos de su carrera. Estudió en la UCM la licenciatura de Bellas Artes y durante esos años, no tenía muy claro en qué quería especializarse realmente hasta que se dio cuenta de que lo que le gustaba era la fotografía.

Mientras nos contaba sus comienzos con la fotografía, nos enseñó sus primeras tomas en las que trabajaba con el papel como elemento principal o con objetos cotidianos que se encontraba.
En el resto de las fotografías vimos que muchas, son autorretratos en los que aparece con algún elemento cotidiano como ya se ha comentado, en otras sin embargo, busca la inspiración en artistas como Frida Kahlo.

Uno de los elementos muy usados que más llamaban la atención en sus fotografías del proyecto "vidas sostenidas", eran los pelos. Estos aparecían en la mayoría de las fotos junto a flores o libros.
La fotografía que más me llamó la atención de todas las que mostró fue "espiral de rosas" la cual se puede ver en su web.

Como conclusión de esta conferencia, Laura nos mostró que la vida del artista no es tan fácil como puede parecer. Vivimos en una sociedad en la que difícilmente se reconoce el arte que se crea, y mucho menos se reconoce en nuestro país, pues tendemos a subestimar las obras españolas pensando que es mejor lo del resto de países.

Presentación de la instalación

Durante esta clase y la anterior, se presentaron las instalaciones que María Jesús nos propuso hacer durante las semanas anteriores.
Mi idea consiste en interpretar la "luz y oscuridad", un tema que sin saber aún por qué, me llama mucho la atención, tal vez sea por el toque misterioso que me transmite. Después de darlo varias vueltas sobre cómo interpretar este tema, pensé que lo mejor para empezar, sería pensar en el material a usar: papel, para que se vea bien la luz, así que elegí hacer rosas de papel ya que me parecía la mejor idea para poder rellenarlas de luces.
Después llegó el momento de pensar cómo colocar todo eso. Una idea fue la de simular un tiesto que se había caído, esta fue la opción que realicé realmente porque me parecía la más fácil, las otras opciones eran simplemente una planta situada frente a la pared por la que trepaba y otra colgando de un rincón, lo cual era más complicado de hacer puesto que el cable de la luz no de podía sujetar así como así.
Realicé este dibujo sobre mi idea para que quedase más clara mi intención:

La idea es que cuando quedase la habitación a oscuras tuviese este efecto:

Y tal y como dije, os dejo la foto de la planta que realicé realmente para que veáis el resultado final:

Primer examen

Y llegó el día del examen... un examen con una parte práctica un tanto peculiar, la cual consistía en dibujar individualmente y lo más real posible, una parte de nuestro propio cuerpo que la profesora nos asignó para luego unir todas esas piezas y tener un cuerpo humano a tamaño real.

En mi caso, me tocó dibujar mi mejilla izquierda (la derecha en la foto).

Para hacerla lo más real posible comencé tomando medidas de ella y una vez dibujada, la sombreé y la di textura con la barra de grafito.

Una vez unidas todas las piezas, el resultado fue el siguiente:

La siguiente parte consistía en la parte teórica aplicada al ejercicio práctico realizado.